Émergences des images en « va-et-vient »
Grande rencontre
« Pour voir le monde autrement, il faut commencer par penser autrement. » Anton Gill
Sans l’ombre d’un doute, Tania Lebedeff, travaille en parfaite synchronicité de ses deux hémisphères : gauche et droit. Cette affirmation est déduite du constat de l’élaboration de son œuvre en macrocosme global et entier. Soit là où la silhouette humaine se métamorphose en ne se limitant pas à présenter qu’un seul angle de lecture ou d’approche, mais en nous faisant voir également des personnages en filigrane provenant de la profondeur de la toile. Le tout, enveloppé d’un univers allant au-delà de la matière pour mieux pénétrer, peut-être, la psyché.
Nuit de pleine lune, 48 x 48 po – photo © Guy l’Heureux
Systèmes et doctrines surréalistes que tout cela ? Peut-être. Or, il me semble que l’ambition intrinsèque de la peintre s’oriente plutôt à percer les secrets de l’âme et de la passion de créer. De fait, Tania Lebedeff sait placer la poésie, le mouvement, puis le merveilleux des découvertes visuelles, de manière à nourrir la perception offerte au spectateur. Comprendre alors que ces œuvres trouvent leurs sens et leur singularité en s’imprégnant longuement au sein de la compréhension dominée par les relations entre le fond et la forme. Le fond étant le plan le plus éloigné dans l’image mais qui ressurgit à la surface dans une valse-hésitation surplombant la forme en surface. Subrepticement l’âme devient visible et relègue au second plan l’être incarné.
Les errants, 36 x 48 po – photo © Guy l’Heureux
Texte de Michel Bois
Pour rejoindre Tania Lebedeff :
À l’atelier : 1087, Boul. Laurier, Mont-Saint-Hilaire (Québec) Canada J3G 4S6 514 834-6543
À Montréal : Galerie Richelieu, 7903, rue Saint-Denis, Montréal (Québec) Canada H2R 2G2 514-381-2247
Image d’en-tête : Globe-trotters diptyque 2 fois, 48 x 36 po (détail) – photo © Guy l’Heureux
]]>L’univers antinomique du céramiste Laurent Craste
Expression actuelle
Les créations du céramiste Laurent Craste nous plongent dans un univers antinomique unique où s’opposent l’apologie du très beau et la meurtrissure de la destruction au propre comme au figuré. Volontairement, spécifiquement, l’artiste pousse la contradiction entre deux propositions de significations opposées ; entre deux idées générales issues de la réalité. D’un côté, il y a la beauté de la porcelaine présentée à l’apogée de ses qualités décoratives et d’ostentation par ses références classiques et de l’autre, la référence à des événements historiques ou contemporains marqués par de grandes cassures ou des épisodes dramatiques sociétaux.
[…] « je me sers des archétypes historiques comme d’un matériau à part entière dans une démarche de questionnement du statut de l’objet de collection. » Laurent Craste.
Laurent Craste et son œuvre Iconocraste – photo © Laurent Craste
Texte de Marie-France Bégis
Pour voir les œuvres de Laurent Craste :
– Exposition solo à la Galerie YL-S Art contemporain Saint-Gabriel de Brandon. Vernissage le 21 septembre 2019.
– Foire d’art contemporain de Toronto. Galerie 3. Du 25 au 27 octobre 2019.
– Exposition solo à la Galerie 3, Québec. Du 22 novembre au 22 décembre 2019.
– Exposition collective dans le cadre de la série eXcentrer à la Galerie d’art Desjardins de Drummondville. Du 8 novembre au 15 décembre 2019.
Image d’en-tête : Petite immolation II, porcelaine, enfumage et encaustique, 15,3 x 33,2 x 20 cm, 2012 – photo © David Bishop Noriega
]]>Nature cathédrale
Réalisme contemporain
« L’art est le reflet que renvoie l’âme humaine éblouie de la splendeur du beau. » – Victor Hugo
Si plusieurs artistes deviennent volubiles face à leurs œuvres à contrario, d’autres ne le sont pas du tout. Eduard Gurevich est l’incarnation de la discrétion. Cela me donne à penser au merveilleux peintre feu Jacques Hurtubise (1939-2014), une sommité de l’art du Québec qui, face aux journalistes le questionnant sur le sens de sa peinture flamboyante, se mettait en colère en leur disant qu’il avait peint !
Comme si le reste ne lui appartenait pas. Bref, il affirmait qu’une œuvre doit se défendre par elle-même sans jamais tomber dans les théories alambiquées et les discours vaseux. Dès lors, parlons d’un coup de cœur percutant. Aussi, en se frottant les rétines sur les tableaux de Gurevich, du coup, nous comprenons. Il y a communication sans vergogne. Aucuns discours ni entourloupettes savantes. Le spectateur perçoit, reçoit et s’émeut ! D’où le discernement de l’importance du parcours de vie.
April’s Adventure, acrylique sur toile, 30 x 30 po
Texte de Michel Bois
Eduard Gurevich est représenté par la Galerie Québec Art, 27 et 40, rue Notre-Dame, Québec, Qc, Canada – 418 692-8200
Image d’en-tête : Sun’s Birth Place, acrylique sur toile, 38 x 57 po
]]>d’Odette Théberge
Profil d’artiste
Les séries Mementos, Chroniques et Résonances, les murs se racontent d’Odette Théberge sont empreintes à la fois d’une vive énergie créatrice et d’une nette volonté de s’attarder à mettre en relief le passage du temps. Les sculptures-livres à l’origine de la série Mementos furent le fruit d’une découverte fortuite, qui amena l’artiste en arts visuels à se questionner sur la matérialité du livre, sa place séculaire dans nos vies et l’abandon graduel dont ils font l’objet.
Un corpus à vif, lourd de signification. Inspirée par un événement qui invitait un groupe d’amis à brûler, lors d’un feu de camp, des objets ou des papiers afin de clore un épisode de la vie de chacun, Odette Théberge y découvre dans les cendres le lendemain matin, les restes de livres.
Memento 26, livres brulés, acrylique, feuille d’or, cuir et acier (ceinture), 17 x 17 x 20 cm
Texte de Marie-France Bégis
Exposition Résonances, les murs se racontent, Odette Théberge, Centre d’art Louise-Carrier du 8 septembre au 2 octobre 2019.
Image d’en-tête : Résonance 11 (détail), acrylique et collage sur toile, 100 x 100 cm, 2019
]]>Vivre la photographie de l’intérieur
La photographie dans l’art
« La composition doit être une de nos préoccupations constantes, mais au moment de photographier elle ne peut être qu’intuitive, car nous sommes aux prises avec des instants fugitifs où les rapports sont mouvants. » – Henri Cartier-Bresson.
À l’heure du multimédia et de la consommation de masse d’images de toutes provenances, la photographie contemporaine parvient à élever le photographe sur un piédestal en lui attribuant un statut bien particulier. En effet, un double rôle lui est attribué puisqu’il vient se placer en tant que témoin, mais aussi en tant qu’acteur à part entière. La création d’Yvan Bédard en est un exemple indéniable.
Depuis l’adolescence où il dessinait, peignait et prenait des photos, cet homme de l’univers des sciences, demeure avant toutes choses amoureux de l’art et de la nature. Professeur émérite de l’Université Laval en génie géomatique, docteur en génie civil, conférencier international et lauréat de plusieurs prix prestigieux pour ses recherches et écrits, il œuvre maintenant avec plénitude et passion en photographie paysagère.
Un autre temps – La rencontre, 20 x 30 po
Texte de Michel Bois
Galerie Québec Art, 40, rue Notre-Dame, Québec, QC, G1K 4G1 418 692-8200
Image d’en-tête : Sables éternels – Percée de soleil, 40 x 60 po
]]>d’Huguette Joncas
Formes, volume et espace
Diplômée de la faculté des arts de l’Université Laval en 1973, Huguette Joncas entame sa carrière en arts visuels par la réalisation de toiles grands formats. Aux années ’70 correspondent ses représentations du genre humain. Elle s’initie parallèlement à la sérigraphie et artiste-entrepreneure avant son temps, elle démarre sa propre entreprise de vêtements à Québec.
Ses créations signatures proposent des vêtements rehaussés de motifs réalisés par le procédé d’impression sérigraphique. Déjà alors, la thématique de l’oiseau se dessine et se poursuivra, figure dominante, dans sa production contemporaine. Au cours de sa carrière, Huguette Joncas, revisitera à l’occasion le support du textile pour la réalisation de vêtements peints lors de différentes expositions.
Le retour, aluminium et bronze, 70 x 55 x 26 cm
Texte de Marie-France Bégis
Pour en apprendre davantage sur Huguette Joncas visitez le : www.creationsgarnojoncas.com
Image d’en-tête : Le combattant, bronze et aluminium, 40 x 44 x 30 cm
]]>Avoir l’audace de l’espoir
Art et nature
Si les préoccupations environnementales interpellent aujourd’hui avec force presque toute la planète, ce courant n’était encore qu’en émergence il n’y a pas si longtemps. Lorsque la ville de Mont-Saint-Hilaire sollicite Jérémie Boudreault en 2006 pour qu’elle élabore une proposition originale qui contribuerait à démarquer artistiquement la région, elle a tout de suite l’idée d’un événement phare mettant la nature en valeur, dans un cadre inspirant accessible à tous.
« Pour moi, créer avec des éléments naturels, c’est recourir à une grande puissance d’évocation avec peu, dans des œuvres éphémères et ludiques qui font réfléchir tout en faisant corps avec leur milieu. » Toute jeune, Jérémie Boudreault développe un imaginaire riche où elle s’amuse avec presque rien et garde un souvenir unique de cet émerveillement enfantin. Le land art fait donc écho à cette capacité de mise en scène minimaliste où la magie de l’instant présent parvient à toucher et réunir les spectateurs autour d’une même pulsion. Le parcours professionnel de cette idéatrice dans l’âme l’amène à devenir comédienne, directrice artistique et productrice de courts métrages, étant même pour un temps propriétaire d’un petit théâtre où elle organise en toute simplicité une foule d’activités souvent expérimentales.
C-Juillard, M-Bachelet – photo © Patrick Deslandes
Texte de Lisanne Le Tellier
www.landart-creations-sur-le-champ.ca
514 973-5561
Image d’en-tête : M-F Bourbeau – photo © Patrick Deslandes
]]>Dans le but de faire connaître la création et l’émergence en dehors des grands centres urbains, la rubrique Sur le radar du numéro de l’automne est allée à la rencontre des artistes de l’Outaouais. Diversité des genres, des styles et des techniques, les créateurs y sont d’une formidable énergie effervescente contagieuse. Votre Magazin’Art de l’hiver partira à la découverte des arts visuels en Charlevoix. Vous êtes de cette région et aimeriez participer : Odette Moreau ou Michel Bois au 1 800 641-9552. Au plaisir de parler de votre création !
Danielle Doucet
Orchestra, acrylique sur toile, 24 x 36 po
Coloriste. Matiériste. Expressionniste. Tels sont les qualificatifs venant à l’esprit devant les savoureuses toiles abstraites si évocatrices de la peintre Danielle Doucet. Fluides et animées, ses toiles sont un pur ravissement pour l’œil et l’esprit câlinement sollicités. Danielle Doucet compare sa démarche toute gestuelle à une chorégraphie où dominent la spontanéité et le lâcher-prise des règles et des idées reçues. D’une esthétique résolument expressionniste, pinceaux, couteaux, spatules contribuent au processus gestuel venant faire apparaître des traces et des formes issues des intuitions et visions personnelles. Pour ce faire, pensons à une pratique critique et rigoureuse, quotidienne, doublée d’une sensibilité inouïe.
Inspirée par la beauté dans l’imperfection, sa préoccupation ultime est, dit-elle, de rester authentique. «Le processus créatif est au cœur de mon expression et son sujet de prédilection. » Elle ajoute que dans l’action, elle tend au lâcher-prise. Et cela se ressent, se voit et réjouit. Quel plaisir de voir l’acrylique pendre l’apparence des formes imaginées par le spectateur à l’infini ! Voici une artiste et une démarche à suivre sans faute pour certainement le meilleur à venir de la création. Tel un chef d’orchestre, elle sait donner le « la» qui deviendra sonate ou symphonie. J’adore !!!!
MB
Éric Tardif
Interconnecté, métal, 94 x 48 x 30 cm, 2019
Pour moi, le nom, Éric Tardif, signifie poésie, savoir-faire et ténacité. Natif de Kamouraska, il est passé d’atmosphères photographiques à la sculpture plus que remarquable. Il est d’ailleurs l’inventeur unique et heureux d’une technique de pliage de bois à la vapeur. Une manière de faire avant-gardiste. Plusieurs fois récompensé par des bourses prestigieuses, voici qu’il est à développer son expertise avec le métal et le bronze. Tout en liant l’idée du mouvement et de l’espace. L’ensemble s’inscrivant en une légèreté bienfaisante qui lui est propre et reconnue. Or, les couleurs vives font leurs entrées ! Cela pour un maximum de rythmiques dynamiques initiant des liaisons visuelles géométriques à l’infini. Selon l’artiste, la perception de la réalité relève de l’expérience personnelle défilant sous les yeux du spectateur.
Soulignons une centaine d’expositions internationales. Et que ses œuvres se retrouvent sur les cimaises d’une dizaine de galeries importantes en Amérique du Nord.
MB
Denise Guillemette
Mon paradis, huile, 36 x 18 po, 2018
Sa peinture singulière est reconnaissable entre toutes les autres approches. Peu de gens savent peindre de cette façon : couleurs généreuses, textures invitant le geste pour palper, composition dépouillée, mais si éloquente, langage formel épuré à souhait, sans jamais concéder au joli. L’artiste nous dit qu’elle s’inspire des moments joyeux de son environnement pour créer des scènes lumineuses et pleines de vie.
Diplômée de l’Université Laval, son enthousiasme pour les arts visuels se reflète dans des compositions animées où elle exploite un style coloré et ludique en jouant tout autant sur le fond et la forme. « Peindre c’est raconter une histoire » nous dit l’artiste. Or, il est clair que son sens de la couleur lui permet de créer des scènes contrastées, aux touches vives et généreuses pour l’œil. Expressionniste et formaliste à la fois, la manière de faire épouse totalement le ressentie de sa vision. Pour ce faire, elle puise directement dans ses souvenirs de jeunesse dominés par l’effervescence grandiose de la nature. À noter que la peintre est active et reconnue autant au Québec qu’en Ontario. Qu’elle enseigne la peinture et s’implique dans les organismes culturels en Outaouais. Et que l’on retrouve ses œuvres au sein de collections privées au Canada et à l’international.
MB
JoAnne Migneault (Jo Migno)
La Dame et Ursus/Lady with bear, dimensions indéterminées, mise-en-scène photographique de Migno, photographe collaborateur : Jérôme Bertrand, 2019
Wow, Wow et re-Wow ! Parlons d’un diamant brut des profondeurs, aux surfaces à polir par l’imaginable, livré pour nous. Cela, d’une personne à la sensibilité aigue s’abreuvant aux racines de la vie, tout en redonnant de l’énergie aux mythes les plus fabuleux, en se prêtant à la mise en scène d’images photographiques expressives, puissantes, inusitées.
« Je me consacre principalement à la création sculpturale en moulage et en assemblage, ainsi qu’à l’installation. Je crée des personnages plus grands que nature, souvent semi-abstraits, mais qui se rattachent à l’histoire, et au fantastique. Depuis plus d’une vingtaine d’années, ma démarche consiste à créer des corps et des visages. J’utilise des objets antiques, porteurs d’histoire, glanés ici et là parmi les trésors chez les brocanteurs afin de les détourner de leur fonction initiale. Ces objets prennent place dans l’espace du corps en modifiant la morphologie des organes et des membres. Je poursuis toujours ce même objectif d’expression à travers les formes humaines, mais en utilisant davantage des matériaux courants en arts plastiques : des matières nobles comme les métaux et les ciments. L’utilisation de ces matériaux confère de la solidité à l’œuvre. Cela me permet d’y graver des marques évoquant le passage du temps sur le corps. J’intègre aussi à mes installations des éléments créés à partir de médiums plus contemporains tels la photo et la vidéo, » nous précise Migno.
À noter que l’œuvre présentée en haut de page sera du parcours de l’exposition individuelle de Migno sous le titre : L’Odyssée du visage – La traversée, en janvier 2020, à la galerie Montcalm, Gatineau. Un must!
MB
Claude Wauthier
Maman, acier (lames de suspension recyclées), 26 po (H) x 20 (L) x 13 (P), 2019
Il y a cette tendance actuelle en arts visuels qui me plaît tellement. Je parle du fait de recycler objets et matériaux afin de surprendre le spectateur dans son interprétation de l’œuvre. Cela impose pour le créateur de ne pas se laisser coincer par une démarche convenue. Claude Wauthier est de ces artistes libres et visionnaires. « Il ne faut pas se limiter aux exigences académiques, dit-il. Tout comme l’omniprésence de la pensée, le processus créatif est libre de s’accrocher aux manifestations infinies de l’Univers. Je ne veux pas m’ancrer et chaque fois, j’écris une nouvelle démarche artistique, car fixer une démarche artistique est tuer le créateur. En ce moment, le cercle me fascine. Le jeu des courbes et des lignes crée une harmonie fascinante et la trace qui reste inspire une direction que je vais explorer. Le résultat est toujours surprenant. Le spectateur interprète, cherche l’intention et soudainement, l’acte subconscient du départ est remplacé par la rationalité de ce que parfois je ne comprends pas nécessairement, » précise Claude Wauthier. Notons qu’il est le président de Traces Arts Visuels cette année. Et que du 8 au 15 septembre aura lieu le 6e symposium regroupant 20 créateurs, dans la municipalité de l’Ange-Gardien en Outaouais. (tracesartsvisuels.com) Magie et étonnements en vue !
MB
Diane Fontaine
La clé des champs, techniques mixtes, 60 x 30 po, 2019
Éclatement des formes tantôt liquides tantôt empâtées. Imbrication des reliefs et des textures confère à l’image un amalgame visuel inouï et inattendu. Il est clair que l’artiste louvoie entre la figuration et l’abstraction pour une interprétation en toute liberté, à la signification plurielle. D’une gestuelle expressive contemporaine, Diane Fontaine vise l’émotion spontanée chez le spectateur. Ici tout semble se jouer également entre l’ombre contrastante et la lumière; l’œil étant sollicité à couvrir tous les secteurs de l’image afin de construire la charge du message visuel. Le portrait et les personnages féminins demeurent parmi d’autres thématiques, ses sujets de prédilection. Diane fontaine sera de l’expo Traces en arts visuel, du 13 au 15 septembre, Ange-Gardien, Outaouais. (tracesartsvisuels.com) À voir !
MB
Galerie Québec Art, Québec Qc
Nicole Laurin
J’ai rougi (série Les écorchés), techniques mixtes, 24 x 48 po, 2019
L’imagerie est plus que singulière. On pense à Picasso. Mais, après coup, pas vraiment. Peut-être, par contre, dans l’audace de l’œuvre assumée. C’est très particulier, Nicole Laurin défie, avec bonheur, les modes et le temps. D’où l’intérêt, il me semble. Voici son commentaire : « Fidèle à moi-même, j’aime représenter l’intemporel. Je m’inspire de mon vécu lointain, de l’incroyable, de l’inattendu, issu de ma manière de peindre. Mon œuvre est instinctive, brute tout en laissant aller mes émois à travers les personnages aux attitudes formelles, profondes. Mon approche picturale s’amorce au fusain et par la suite à la spatule par des traits d’acryliques posés avec la couleur de l’instant immédiat. Lentement je m’éloigne, me rapproche, puis tourne la toile jusqu’à ce que la forme s’anime. C’est en conjuguant des formes géométriques subtilement de façon asymétrique à mes sujets qu’ils me dévoilent leur particularité expressive et poétique, » nous dit la peintre. Ciel ! Cette dame n’est d’aucune mesure. Ses mots invitent très largement au côté savant, mais ludique de la création. Seule manière de créer. Non ?
MB
Galerie d’art – atelier Fontaine & Laurin, 533, Av de Buckingham, Gatineau, Qc
Doris Genest
Cherika, huile sur toile, 36 x 18 po, 2018
« Pour moi, la joie d’être capable de parler avec mes pinceaux, c’est de la véritable poésie. Je veux que mes toiles dégagent cette joie, » nous confie l’artiste peintre.
Cela écrit, les portraits féminins de Doris Genest proviennent de la réalité et de la fiction imaginée. D’une sorte d’accent personnel et distinctif. La technique employée avec savoir est l’huile. Le tout s’inscrivant dans la mouvance de la diffusion de la contemporanéité « grand public ». « Il y a une multitude de couleurs produisant des effets. Je continue à m’amuser à les découvrir de plus en plus, » précise Madame Genest.
« Peindre, est également un moyen de laisser mon imagination voler, tout comme un oiseau qui déploie ses ailes dans l’azur de la mer et du ciel. Je me suis toujours sentie privilégiée de pouvoir peindre avec passion ». Quoi dire de plus ?
MB
Prendre note de La tournée 2019 des ateliers d’artistes de Gatineau, les 5 et 6 octobre. Et du Symposium Gatineau en couleurs, les 25, 26 et 27 octobre, à la Maison du Citoyen, 25 rue Laurier à Gatineau.
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Atelier – galerie : 796 boulevard Lorrain, Gatineau, Qc
Diane Beauchamp
Un tourbillon dans ma vie, acrylique sur toile, 18 x 24 po, 2016
Coloriste et gestes d’éclats. Spontanée. Voilà qui sied bien à la volonté et aux aspirations de l’artiste ! Image à la limite de l’abstraction et de la figuration, c’est entre ces deux pôles que le spectateur va et vient par une sorte de mouvement de vague.
« Aquarelliste dans l’âme, toujours à l’affût de transparence et de lumière, je laisse volontiers couler la matière sur le papier, la toile ou le panneau de bois. J’aime également éprouver les possibilités infinies d’autres médiums tels que l’acrylique, le pastel, les crayons d’aquarelle, l’encre et le mortier de structure, sans oublier tout le potentiel d’images personnelles retravaillées à l’ordinateur. L’intuition et les hasards heureux s’inscrivent tant dans la suite des sujets à traiter que dans le recours à différents outils ou moyens tels que les pinceaux, les spatules et toutes les choses laissant des traces, des empreintes sur le canevas. La présence de petits objets trouvés au fil du temps, puis incorporés à mes toiles, m’incitent d’une autre manière à ouvrir le champ des émotions, » explique précisément Diane Beauchamp.
De fait, nous voilà devant une création généreuse dans laquelle le public y trouve une large place pour la liberté de l’imagination et des émotions. Quelle belle manière de nous faire découvrir ce qui interpelle et fait vibrer chez une autre personne. Quel plaisir de commenter cette œuvre plus que formidable et singulière.
MB
France Santerre
Au Sentier des loups, huile sur toile, 20 x 24 po, 2013
Détentrice d’un diplôme de maîtrise décerné par l’Université Laval, la règle des proportions du nombre d’or, la perspective des couleurs ou encore la mise en image sur la toile pour un maximum d’efficacité n’ont plus de secrets pour la peintre. Avec pour résultat que l’ensemble de la scène élaborée devient alors le théâtre intemporel d’une sorte de vision éthérée. « J’ai d’abord été fascinée par les techniques et la construction des espaces que l’on retrouve chez les grands maîtres de la renaissance. Puis est venue cette quête de dire sous une forme plus hyperréaliste. Et surprise, ma création se développe aujourd’hui dans un axe opposé où l’inconscient, l’automatisme et l’abstraction, sans toutefois perdre le sens en contact avec le concret de la figuration, » raconte France Santerre.
En effet, saluons l’exploration heureuse de cette création à travers laquelle un espace unique et infinie s’ouvre à nous, pareil à un monde oublié dont ne se souviennent que les poètes et les peintres.
MB
Repertoirecultureloutaouais.ca
Angèle Lux
Sapere Aude ou La Dame aux oiseaux, aluminium, 244 x 115 x 122 cm
Les sculptures d’Angèle Lux semblent investies d’une douce poésie humaniste. Comme si la poétesse et la sculpteure en elle l’amenait à magnifier les contacts de l’humain avec la nature, pour ausculter et ressentir plus profondément êtres et choses. Sa démarche repose sur un large florilège d’expérimentations en peinture, sculpture, gravure, les techniques mixtes et les installations. Cela pouvant également donner naissance à de la poésie en vers libres, kaïkus (courts poèmes célébrant l’évanescence des choses) et tankas (poèmes traditionnels du Japon sans rime aucune).
« L’acrylique, les techniques mixtes et l’estampe numérique me permettent d’insuffler vie aux abstractions, aux paysages, et aux songes qui m’habitent. Mes créations sont dépouillées, épurées. Je retire une grande joie à travailler l’aluminium découpé, soudé, brossé, martelé, texturé ou poli afin d’y inscrire mon interprétation des choses», nous dit Angèle Lux.
« L’œuvre (plus haut) a été conçue sous le thème : réflexion. Elle traite de la nécessité de faire un examen critique de nos idées reçues et préconçues, de nos croyances parfois limitantes, de nos préjugés (représentés par les oiseaux), de prendre conscience de ce bagage et de s’en libérer, comme l’oiseau dans la main qui s’apprête à prendre son envol. » Cette œuvre monumentale éclate de cette vie et de cette passion intense. À mon sens, elle transcrit une réalité fantasmatique qui illustre la tragique solitude de notre humaine condition.
MB
www.artworkarchive.com/profile/angele-lux
Béla Simo
Main en mouvement, aluminium, 336 x 168 x 168 cm
« Je cherche à fixer dans l’espace l’immatérialité du monde intérieur et de ses expériences. Je souhaite que s’établisse, entre l’œuvre et l’observateur, une relation qui le transportera dans l’histoire de sa propre expérience humaine » écrit, Béla Simo.
Sculpteur professionnel depuis près de 35 ans, il dit travailler essentiellement l’aluminium depuis 6 ans. « Je suis fasciné par les possibilités de ce matériau léger, solide et contemporain qui permet de rendre ma vision du monde en des lignes et des formes stylisées, épurées. Ma formation et mon expérience en fabrication industrielle enrichissent ma pratique de manière à explorer de nouvelles façons induire volumes et textures au métal. L’aluminium est découpé, courbé, soudé. Les surfaces sont ensuite reconstruites, ébarbées, brasées, martelées, gravées, brossées ou polies. Selon le sujet, des empâtements de soudure sont ajoutées pour créer de la texture ou des détails. La fluidité des courbes, les volumes évidés et les différentes textures font partie de ma signature d’artiste. »
Quel travail et quel résultat ! Expérience visuelles aussi intense qu’inattendue! La sculpture monumentale Main en mouvement, nous donne la preuve que Simo est possédé par le langage magique de l’art, et par la fureur d’y faire participer l’expérience humaine des gens par la beauté dans sa démesure s’offrant à ciel ouvert. Sans nul doute, ce créateur appartient à cette cohorte infiniment précieuse d’hommes croyant en l’homme. Cette sculpture est le signe de sa foi !
MB
Automne 2019
]]>Voici Le symposium par excellence de l’automne 2019 au Québec. Soixante-dix créateurs, peintres et sculpteurs, sélectionnés pour leurs qualités artistiques professionnelles et pour leurs capacités d’expressions contemporaines. En effet, la tenue de cette nouvelle édition est attendue par un large public composé d’amateurs d’art, de collectionneurs, de galeristes, de journalistes et autres passeurs de culture à tous les niveaux.
Artiste invitée bien connue, Denise Venne, comblera les plus intéressés en donnant à voir ses techniques et l’essentiel de sa démarche plus que singulière. Par ailleurs, la peintre offrira une de ses œuvres bien cotées aux visiteurs lors d’un tirage qui se tiendra le dimanche 27 octobre en fin d’après-midi. Le Dr Pierre Saint-Georges, soignant émérite en médecine régénératrice, grand collectionneur, reprends le rôle de Président d’honneur simplement parce que, dit-il : « Sans nul doute, la création contribue à nous rendre heureux ». L’aquarelliste d’influence, Jean-Yves Guindon, endossera le statut d’ambassadeur afin d’ouvrir à une expérience unique du côté des visiteurs.
Un calendrier souvenir 2020 sera offert au coût de 5 $. Notons qu’un dollars à la vente sera remis au Centre Carmen dont la mission vient en aide aux gens atteints de douleur chronique et de diagnostic de cancer. Un plus !
Enfin, Monique Rouleau, présidente du comité Symposium Gatineau en couleurs, a tout mis en œuvre pour nous offrir avec son équipe de prédilection, une sélection d’artistes significatifs. Elle nous rappelle que les partenaires et les dons, entre autres, celui de la Ville de Gatineau, permettront encore une fois la tenue d’un évènement fabuleux. Et que tout-un-chacun se doit de se délester du stress quotidien pour mieux vivre cette expérience « tout-en-art ». Du 25 au 27 octobre, Maison du citoyen, 25, rue Laurier, Gatineau. Au plaisir de vous rencontrer à Gatineau ! Surtout que l’expression en arts visuels ne m’aura jamais semblée aussi savoureuse et ré-énergisante que grandiose !
Pour de plus amples informations : symposiumgatineauencouleurs.ca
Automne 2019
]]>Les gens qui font l’évènement
Difficile de rester indifférent face à une œuvre au rendu si sensible ! Ici, beauté et savoir du métier en toute liberté s’épousent l’un à l’autre pour mieux nous amener à découvrir les avenues inusitées de la réalité. Catherine Lebel-Ouellet a des mains telluriques. En effet, la céramiste d’art donne à penser qu’elle sait reconnaitre les courants circulant dans le sol. Ceux liés aux variations « externes » du magnétisme terrestre et à la conductivité du sous-sol. D’où les résultants éblouissants, voire inouïs. Soit à la limite du domaine des métiers d’art et des arts visuels. De par la maîtrise ultime de gestes et de techniques traditionnelles ou innovantes. Et parce que le résultat donne à voir la perception de la créatrice voulant traduire sa conception du monde visible ou invisible. Les œuvres magistrales et empreintes de poésie de Catherine Lebel-Ouellet arrivent en primeur chez Louise Lasnier, la propriétaire de la Galerie Boutique Pétronille, lieu incontournable sur l’Île d’Orléans depuis 35 ans. La dame est artiste. Sa fille Paule tout autant, comptant plusieurs années de création à titre de chapelière pour le Cirque du soleil. Accueil chaleureux et avisé garanti. Un must!
Galerie Boutique Pétronille, 8141, Chemin Royal Sainte-Pétronille, Île d’Orléans, Québec – 418 828-2869
Automne 2019
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